tarea Teoria del Diseño

el tema es elementos de expresion plastica

corresponde al 8-01-2008

el material

un cuarto de cartulina ilustracion marca crescent

hot press ( de las lisas para tinta )

un pomo de tinta china negra marca Higgins

dos pinceles de cerdas finas,

uno #2 redondo

y uno #5 plano

si quieren comprar dos mas es mejor del tamaño que deseen

un tiralineas

un juego de escuadras biceladas transparentes y sin numeros

regla T de madera

lapicero

borrador para lapiz y para tinta (amarillo no azul )

signo simbolo logotipo ...conceptos

En esta ocasión hablaremos de las diferentes clasificiaciones que puede tener una imagen corporativa, pues no todo lo que vemos es un logotipo como en general suele llamársele.

Marca: Termino que proviene del latín marca, consiste en ese rasgo, huella o grafismo, que se asume como signo singular que distingue a una cosa.

Símbolo: representación grafica mediante un elemento generalmente icónico que adquiere su carácter simbólico una vez que nos trae a la mente algo más allá del significado de lo que vemos.

Monograma: Proviene del griego monos (único o sólo uno) y grama (letra o escrito) Forma gráfica que toma una palabra escrita cuando esta se construye enlazando rasgos de una letra con otras, e incluso suprimiendo las letras que en una palabra se repiten.

Anagrama: Palabra que nace de la combinación de algunas letras o silabas del nombre de marca. Es una forma de reducción, de concertación en una figura escrita.

Ideograma: Signo que representa una idea, o en ciertos sistemas de escritura, un morfema, una palabra o una frase determinada. Signo: Unidad mínima de sentido.

Logograma: Signo gráfico representando una palabra sin dar ninguna indicación sobre su pronunciación.

Caligrama: Es una simple frase o palabra, generalmente poético en el que se utiliza la disposición de las palabras, la tipografía o la caligrafía para procurar representar el contenido del poema.

Fonograma: Puede definirse como una forma gráfica estable, que adquiere el nombre a través del diseño y constituye un vehículo de identidad estrictamente tipográfico.

Letragrama: Es todo aquello que expresamos por medio de signos tipográficos. Pictograma: Forma de escritura que emplea figuras o símbolos producto de la síntesis de los objetos y formas de la realidad cotidiana.

Logosímbolo: Se entiende como el tipo de marca integrado por un componente escrito y por un distintivo icónico.

Logotipo: La firma de la compañía, que es representada por medio de un grupo de letras, símbolos, abreviaturas, cifras etc, fundidas en solo bloque para facilitar una composición tipográfica.

Imagotipo: Es la unión de la tipografía con una imagen, esta debe de ser muy pregnante para permitir la identificación con el nombre de la empresa

"Diseño : Design"

WebIslam

...CS4!

Cisma's "Le Sens Propre" from glossy inc on Vimeo.

.........has lo que te imagines con Adobe

Hist°ria del DiseñO grafic°

el ejercicio sera el siguiente, leer el texto a continuacion e ir eligiendo en red imagenes concordantes al texto y guardarlas en una memoria USB para verlas en la proxima clase, ejemplo
si leo acerca de Audrey Beardsley y el Art Nouveau, buscare una imagen de el correspondiente a la epoca, la intencion del ejercicio es que ustedes lean y construyan su propio aprendizaje...recuerden que nuestra memoria es visual , leyendo y viendo las imagenes lograran retener con mucha mas facilidad lo aprendido.

LAS IMAGENES DEBEN CORRESPONDER A 20 CONCEPTOS POR FAVOR JOVENES



1. INTRODUCCIÓN

Tomando como punto de partida a los últimos sesenta años del siglo XV que enmarcaron el nacimiento y desarrollo de la tipografía, las secuelas de las iniciativas y experimentaciones gráficas surgen en el siglo XVI con la energía creadora con que se dieron origen a innovadores diseños de tipos, normas de composición, ilustraciones y encuadernaciones, conjuntamente con representantes de gran prestigio.
En el presente trabajo se analizarán los principales acontecimientos que enmarcaron a los siglos de transición y normalización (siglos XVI al XIX). En lo que refiere a la historia del diseño gráfico, cabe destacar la influencia que tuvieron hechos como la Revolución Francesa y la Revolución Industrial, para el desarrollo del comercio y de la actividad publicitaria.
Además, es importante tomar en cuenta que muchos aspectos políticos, sociales y religiosos de cada época, han influido en la evolución o retroceso en lo que concierne a los trabajos impresos, desde la creación de los tipos de letras, el trabajo tipográfico, hasta la aparición de los libros, periódicos, enciclopedias y carteles .

2. ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI

Uno de los factores históricos determinantes fue el proceso de involución política que culminó en 1543, con la instauración de la censura de imprenta, la cual acabó con la dinámica creativa y liberal que caracterizó la producción de impresos durante el medio siglo anterior.
Sin embargo, uno de los avances más importantes fue el renacimiento de la caligrafía, que se produce en medio de un absolutismo monárquico encabezado por Francia y España, que establecieron una burocracia que favoreció el progreso de la caligrafía al tiempo que la imprenta, en poder de la Iglesia y el Gobierno, fue perdiendo su sentido de vanguardia y se convirtió en una actividad conservadora al servicio de las fuerzas políticas y religiosas totalitarias.
Así, durante muchos años las legibles y armoniosas caligrafías Italianas fueron imitadas en todos los Estados poderosos de Europa, por este motivo la lengua italiana adquirió gran valor en el siglo XVI y fue divulgada por sus representantes con propósitos didácticos a través de sus tratados y manuales.
Cabe destacar la trilogía de maestros italianos conformada por Ludovico Degli Arrighi, Giovanni Antonio Tagliente y el calígrafo de calígrafos Giovanni Baptista Palatino, quien en 1540 aporta una novedad didáctica en la práctica caligráfica al tratar de instruir alternativamente por medio de textos y grabados.
Debido a las condiciones políticas y económicas de la época, en el campo tipográfico el diseño de tipos se considera sólo por su función como elemento del proceso de impresión y su mayor exponente fue el francés Claude Garamond, quien tuvo que vivir entre la subversión y el favoritismo, siendo cauteloso al realizar sus estudios, ya que en la época los que practicaban esta labor eran perseguidos por motivos políticos o religiosos.
“La calidad de los diseños del tipo, armonía entre mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el
preciso y contenido sentido ornamental presente en algunos trazos hacen de la celebérrima Garamond, fundida en 1545, el más perfeccionado de toda la tipografía romana…”¹
En el mismo orden de ideas, Jhon Baskerville fue el impulsor de la tipografía inglesa y diseñó un tipo genuino en 1754 (Baskerville), la cual posee notable claridad y elegancia. Los aportes de Baskerville fueron muy innovadores y eficaces, entre ellos: el uso del papel satinado para facilitar una impresión nítida y brillante y la variante del uso a voluntad de la interlínea o espaciado entre líneas de texto impreso.
Por la gran producción de libros en este siglo, la decadencia del impulso creativo se acentúa, se
degrada el grabado xilográfico al extremo que los artistas rehuyen sus colaboraciones con este procedimiento y entonces se introduce un procedimiento nuevo: el grabado calcográfico (sobre plancha de metal) que permite grabar el trazo directamente.

3. EL SIGLO XVII

En este siglo se dio un estilo homogéneo o académico a toda manifestación artística o artesanal, y a su vez se comenzó a utilizar una nomenclatura metafórica que permitió que la arquitectura fuese desplazada por la tipografía. En este sentido, el arquitecto Peter Behrens hizo referencia a que el tipo (la letra) era uno de los más elocuentes medios de expresión de la época o estilo, y que próximo a la arquitectura, este proporciona el más severo testimonio del nivel intelectual de una nación.
La caligrafía comenzó a decaer y terminó convirtiéndose en un estilo ornamental, sin embargo es
importante resaltar que esta desviación de la caligrafía logró aportar un conjunto visual que constituyó un recurso gráfico que la futura imagen publicitaria incorporó a su repertorio
lingüístico.
“En la evolución de las etiquetas de productos comerciales el texto, el ornamento y la ilustración son componentes que van apareciendo sucesivamente por orden, en un momento histórico en el que la imagen empieza a valorarse como complemento del texto y no, como hasta entonces, como único elemento susceptible de ser leído por el público.”²

1
Santue, Enric. Pág. 50
2
Santue, Enric. Pág. 55

A pesar de que todavía el mensaje publicitario era reducido a sectores sociales privilegiados, este
propone algo más que el reconocimiento del producto añadiendo un nuevo valor: la imagen de identidad.

4. SIGLO XVIII, EL SIGLO DE LA RAZÓN

La lectura se hace una necesidad para las clases superiores y por esta razón crece la demanda en el negocio de la venta de libros. Sin embargo, la gran invención de esta época fueron los Periódicos, los cuales se difundieron desde principios del siglo.
Debido al auge económico, en 1730 aparece en Londres el primer diario comercial dedicado a la
publicación de anuncios de ofertas y demandas. Además, los comerciantes londinenses se
encargaron de introducir un tipo de tarjeta comercial, que por su gran formato, parece fueron utilizadas como cartas comerciales y facturas.
Cabe destacar que el rentable criterio de asentar la publicidad por medio de la repetición se pone de manifiesto en los impresos que reproducen en su mayoría los rótulos de los establecimientos, acompañados de una completa argumentación publicitaria. También, se debe tomar en cuenta, que los sectores comerciales, como la del libro, se encargaron de introducir la práctica del Cartel mural en formatos pequeños ilustrados con xilografías.
En 1762 las autoridades francesas prohíben las enseñas colgantes, lo cual contribuyó a la
modernización de la señalización comercial, ya que tuvieron que adaptarlas en su tamaño o formato a las necesidades de la época, debido a que estas eran muy rudimentarias.
En este siglo se implantan las Escuelas Técnicas o de artes Aplicadas para la formación de
especialistas, fundamentalmente en diseño textil y artes gráficas, así mismo se sitúa a la imagen en un contexto más preciso y menos trivial, utilizándola como complemento del texto y completar con ella el concepto utilitario y didáctico, se crea de esta manera la Enciclopedia.
En el aspecto tipográfico se crean diversidad de tipos, destacándose el llamado Bodoni, un tipo de la familia de las romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en 1768, igualmente es interesante la creación del alfabeto arquitectónico de Steingrüber, la cual es una extraña serie de letras ornamentadas en las que se conserva la forma exterior de la letra y representa en cada una de ellas la planta de un edificio.
El hecho histórico de mayor importancia del siglo XVIII fue la Revolución Francesa de 1789, la cual establece una sociedad igualitaria que proclama libertad de prensa, la cual convierte a los diarios y periódicos en productos de consumo masivo de la sociedad.
La practica de la propaganda política introdujo a su vez a la caricatura y la sátira como nuevo elemento gráfico desde 1789, esta se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y formas despóticas de poder, disminuyendo su fuerza a través de la ridiculización, de esta manera la caricatura suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su contenido original, sea este de orden político, social o religioso.

5. LONDRES Y PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO GRÁFICO COMERCIAL DEL SIGLO XIX

En 1814 se inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de la impresión incorporando la máquina semiautomática proyectada por el alemán Friedrich Köenig, posteriormente surge la linotipia.
El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio conceptual notable, ya que la sustitución de las arcaicas prensas permitió la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron superar los límites de los anteriores pequeños y estrechos formatos.
En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras y Supernegras (según el grueso del palo), y las
Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra), así mismo se distinguen tres familias genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura Inglesa.
Otro acontecimiento relevante fue la Revolución Industrial, la cual impulsó el desarrollo del comercio. En lo que compete directamente al diseño gráfico, Rowland Hill crea el sello de correos, se asume la técnica del grabado calcográfico como unidad estilística propia y aparece el billete con el uso del papel moneda. La publicidad directa empieza a perfilarse como estrategia e instrumento propagador y embellecedor, así surge otro elemento innovador: el uso de la figura femenina como elemento simbólico de atracción.

6. LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX

El desarrollo de la nueva tecnología de composición y prensa en las últimas décadas del siglo XIX, luego de muchos años de impresión manual, produjo muchos cambios importantes en los esquemas de trabajo dentro de las artes gráficas debido a la Automatización y a la Especialización. Aparecieron especialistas en cada fase del proceso, reduciendo las funciones de los tipógrafos, así comenzaron a surgir diseñadores de tipos, fundidores, compositores, fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores, etc.
La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado a uno
masivo. Creció la demanda del material impreso y el desarrollo de la publicidad fomentó el crecimiento de las ventas de diarios y revistas, recuperando a su vez el uso del Cartel Publicitario.
Una nueva generación de diseñadores surge en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos
históricos (neoclasicismo, neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau o Modernismo, el cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte (arquitectura, pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseño industrial, ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.), acelerando la evolución en el arte de vanguardia y en el diseño, el Art Nouveau creó al diseño gráfico como oposición al puramente tipográfico, no solo como un medio de comunicación de ideas nuevas, sino también para su expresión.
La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando al
Modernismo como el estilo dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones que se produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a difundir las comunicaciones visuales y a inspirar a los diseñadores, entre ellas tenemos: la máquina de escribir, el clisé pluma, la trama, el proceso de impresión en color, la fotografía en color, la composición automática, la instantánea, la fotografía de rayos X, la película de animación, las diapositivas de linterna mágica, entre otros.
Entre las influencias del estilo modernista en el diseño gráfico podemos resaltar que el estilo radical, anarquista, nihilista de Dada y los experimentos tipográficos de cubistas y futuristas funcionaron como una línea divisoria. Es así como se desecharon los estilos tradicionales de tipografía y layout, dando paso a la evolución de un estilo alternativo y adecuadamente moderno de layout con nuevas tipografías mecánicas.
Los principios inspirados por la revolución que produjo en la industria, la arquitectura y la construcción, la nueva maquinaria industrial, el automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los gigantescos edificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron paso a la construcción modular en cuadrícula de los edificios de estructura de acero, la cual se convirtió en una metáfora para la construcción de la página y en una herramienta fundamental del diseño gráfico, estos principios arquitectónicos se aplicaron directamente a las artes gráficas en las estructuras básicas dentro de las cuales se desarrollaron los estilos asimétricos y no tradicionales del modernismo.

7. ACOGIDA DE LA BAUHAUS

Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguaje visual en geometrías básicas, colores puros y en la abstracción, constituyendo un análisis de formas, colores y materiales. Para ellos servían como una escritura con la que podría analizarse y representarse la prehistoria visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la conciencia de su separación de la historia y su anhelo por encontrar un punto de origen.
“En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas
básicas y los tres colores primarios.”³ Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseño la Bauhaus se convirtió en un punto de origen, resaltando las formas geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista de la tipografía. El potencial lingüístico de la teoría de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje verbal.
La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue equiparada al pensamiento avanzado del diseño.
La forma visual se consideró como una escritura universal que hablaba directamente con la mecánica del ojo al cerebro. En el mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó para referirse tanto a la escritura como al dibujo, y su trazado se percibe como una Gestalt: una forma o imagen simple.
El “Libro de Apuntes Pedagógico” de Paul Klee,y “Punto y línea sobre el plano” de Wassily Kandinsky, fueron publicados por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de la escritura visual. Giorgy Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, utilizaron la psicología de la Gestalt para aportar una racionalidad científica al lenguaje de la visión, la psicología de la Gestalt ha sido desde entonces una fuente teórica dominante en la enseñanza básica del diseño.
El primer profesor del Curso Básico en la Bauhaus fue Johannes Itten, cuyo misticismo y excentricidad disonaban de los planes prácticos de Walter Gropius (arquitecto fundador de la Bauhaus en 1919) para la escuela, luego de la dimisión de Itten en 1923, Kandinsky dio clases sobre color y los elementos básicos de la forma, y Klee dio lecciones en la clase de formas básicas.
En los libros de texto básicos de Klee y Kandinsky, el gráfico es un modelo de expresión pictórica y sus manuales de diseño describen a la línea como un solo punto arrastrado a través de una página. De igual manera, Kandinsky utiliza el término Traslación, aludiendo al acto de trazar correspondencias entre marcas gráficas lineales y una serie de experiencias no gráficas como el color, la música, la intuición o la percepción visual.
La serie representa el intento de Kandinsky de probar una correlación universal entre el color y la geometría, y se ha convertido en uno de los íconos más famosos de la Bauhaus, aunque hoy en día pocos diseñadores aceptan la validez universal de la serie, ésta sigue siendo la base de numerosos libros de texto de diseño básico.
En 1923, Kandinsky hizo circular un cuestionario por la Bauhaus pidiendo a cada participante que asociase intuitivamente con los tres colores primarios, tratando de dar validez mediante el test psicológico a la serie, ya que ésta encarna la teoría del lenguaje visual como sistema de oposiciones perceptivas, por la cual se logra una comunicación directa con los mecanismos del ojo y el cerebro.
La forma estructural que invadió el arte y el diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual articula el espacio según un tramado de oposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal, e izquierda y derecha. Otra oposición implicada en la retícula está entre la continuidad y la discontinuidad.
En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual es fundamental para la teoría moderna del diseño y promovió una ideología de la visión como facultad autónoma y racional, mostrando los modos en que una figura emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como condición necesaria pero invisible de la percepción.

8. MOVIMIENTO MODERNO Y NEOMODERNO

La pedagogía del diseño Moderno es la disposición repetitiva de una colección de signos según
determinadas reglas de combinación. La tarea predominante de la teoría moderna del diseño ha sido organizar
los elementos geométricos y tipográficos en relación con oposiciones formales tales como ortogonal / diagonal,
estático / dinámico, figura / fondo, lineal / plano o regular / irregular.
Suiza fue el centro ideológico de la teoría moderna del diseño en los años cincuenta y sesenta, donde la
intuición se convirtió en un elemento clave en ecuaciones racionalistas, donde se aplicaban afirmaciones como:
Entre más exactos y completos son los criterios, tanto más creativa es la obra.
En los comienzos de los años setenta, la unión entre el sistema racional y la elección intuitiva se
convirtió en la preocupación central para algunos diseñadores que laboraban en el idioma moderno, por ese
motivo se pensó en las alternativas que ofrecía el proyecto Neomoderno de personalizar los lenguajes
modernos, aparte de retorno al ideal de una comunicación universal libre de valores.
Los limitados vocabularios formales del contructivismo fueron intentos para lograr un orden lingüístico,
cultural o psicológico que regulara el acto creativo individual, más que personalizar lo moderno, lo neomoderno
trató de priorizar el poder y la capacidad penetrante de los lenguajes que utilizamos.

9. EL NACIMIENTO DE WEIMAR

Ante la derrota en la Primera Guerra Mundial, el Kaiser abdicó y se formó una república con la capital
en Weimar, la cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de fuera y de dentro. Los alemanes que estaban
en los campos de batalla confiados en su superioridad moral, volvieron de ellos vencidos y traicionados.
Los cuarenta y siete años que siguieron la unificación de la nación alemana presenciaron su desarrollo
hasta que se convirtió en la nación más industrializada y militarizada de Europa. Con la rapidez de su
urbanización e industrialización las artes prosperaban en Alemania, Diaghilev, cuyas producciones toparon con
la animosidad de otras capitales europeas fue bienvenido en Berlin.
“Escribiendo que después de años como soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar la
vida, Walter Gropius manifestó su deseo de dirigir la escuela de Artes y Oficios de Weimar.”
4
En el caos del mundo alemán había la esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por medio de
un arte nuevo. Gropius llamó a la unificación de las artes, pero la ausencia de una república alemana
convincente condujo a momentos utópicos como la Bauhaus y a la devastación infligida por los nazis.

10. EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER

Con la derrota del imperio alemán la legitimidad de la cultura del siglo XIX parecía en decadencia,
muchos alemanes sintieron que debían empezar de nuevo. Diseñadores como los asociados en la Bauhaus impulsaron un nuevo modo de pensar sobre la visión y la función del entorno visual.
Para ellos el diseño no debía seguir utilizándose para reflejar y reforzar una sociedad jerárquica,
muchos miembros de la Bauhaus creían que el futuro dependía de unas leyes universales de la razón que no estaban vinculadas a las limitaciones de la cultura tradicional.
Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius lo invitó a dirigir el taller de tipografía e imprenta.
Bayer desempeño un buen papel en el desarrollo de una nueva tipografía que utilizaba tipos de palo seco, filetes gruesos y retículas sistematizadas para conseguir composiciones limpias y lógicas.
Las consideraciones de estilo y expresión fueron subordinadas a la pureza de la geometría y las
exigencias de la funcionalidad, este método condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas de letras tan esenciales que se entendieran como universales. El tipo Universal diseñado por Bayer en 1925, representa una reducción de las formas de letras romanas a simples formas geométricas. Este tipo de letra abarcó a la industria y a la tecnología y se adaptó a las técnicas de reproducción en masa y métodos racionalizados.

11. PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO

A lo largo de la historia gran diversidad de movimientos artísticos se han visto representados por importantes diseñadores, entre ellos Aubrey V. Beardsley, quien destaca como dibujante y es llamado “el discípulo del diablo”. Beardsley fue gran opositor de las ideas de William Morris y se caracterizó por su gusto por reflejar el arte decadentista de fines del siglo XIX, influido por el arte oriental utilizó ornamentos con este estilo y se observa también en sus diseños el predominio de los espacios en blanco, brilló en la ilustración de libros como “Salomé” de Oscar Wilde (1894).
Otros representantes destacados fueron el notable arquitecto ingles de la segunda mitad del siglo XVII, Christopher Wren y el acuarelista y pintor Walter Crane, precursor del renacimiento de las artes (Modernismo) y del Art and Craft. Crane ilustró libros de cuentos infantiles como El Grimm, Robin Hood y Don Quijote.
Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó por el uso de formas geométricas, simples y sin
ornamentos, aunadas a una tipografía igualmente sencilla. Y el Art and Craft se refiere al grupo de artesanos,
artistas, diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el estado de las artes aplicadas, al de las bellas
artes. Principalmente inspirado por William Morris, otros artistas importantes en el movimiento fueron Henry
Holiday, Walter Crane, el arquitecto y diseñador Philip Webb, Alejandro Fisher y Christopher Whall.
Uno de los más notables precursores del racionalismo fue el arquitecto británico Charles R.
Mackintosh, quien se destacó por sus construcciones geométricas. Se caracterizó por su dedicación en la
elaboración de carteles, muebles y objetos ornamentales, y por la búsqueda de la estilización de las formas
rectangulares combinadas con suaves curvas.
Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo, quien estudió arquitectura bajo la tutela de
James Brooks y asistió a clases de dibujo por John Ruskin. Su admiración por el Renacimiento lo llevó a creer
en la unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert P. Horne, y el artista Image de Selwyn,
Mackmurdo fundó el Gremio del Siglo, el periódico del Gremio: “El Caballo de la Afición”, fue diseñado
inicialmente por Mackmurdo.
El británico William Nicholson fue pintor, impresor y diseñador de teatro. Empezó su carrera profesional como
diseñador de carteles y como ilustrador de libros, donde los contrastes llamativos de negro y blanco de su
técnica del woodcutting fue acostumbrado a gran efecto.
En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes del cartel con sus cuñado James Pryde y los dos se
dieron a conocer como los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff Brothers).
Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a experimentar con la suma de tintes sutiles de verde y
ocre a sus composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció pronto por su habilidad e innovación en el
medio, elevando la forma de arte a un nivel alto de éxito, ambos estéticamente y comercialmente. En 1897, el
artista produjo su retrato: Reina Victoria, el cual es una de las impresiones británicas más famosas.
Otro precursor del diseño fue Peter Behrens, quien originalmente fue entrenado como pintor, su estilo
provisional estimuló una nueva abstracción geométrica en su trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artístico al AEG en Berlín donde creó la primera
imagen corporativa del mundo. Behrens es considerado una figura importante en la transición al Clasicismo
Industrial, y jugó un papel central en la evolución de Modernismo alemán.

12. INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP

El Art Pop o Arte Popular, es un producto típicamente norteamericano (aunque también se desarrolló en 1950 en Inglaterra), que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que s e vivía. Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión los
productos masivos de la cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics, personajes del cine y la canción, etc.
Utiliza procedimientos dadaístas (ready mades), hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas (collages). Predomina el colorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores vivos.
Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.

13. EL DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA

Colombia es uno de los países con mayor tradición histórica en el campo de las artes gráficas, la obra impresa más antigua del país data del siglo XVII. La figura colombiana más relevante es David Consuegra (1939), quien fundó un grupo en la Universidad de Bogotá brindando su experiencia y talento. Otros representantes del diseño en Colombia son Marta Granados, Antonio Grass y Dicken Castro.
En Perú el verdadero pionero del diseño gráfico peruano moderno es Claude Dieterich (1930), quien después de trabajar en Paris en diversas agencias de publicidad y en el diseño de revistas, se establece en Lima implementando las influencias europeas en el diseño gráfico contemporáneo de América Latina.
El primer periódico editado en Venezuela en 1808, marca los orígenes de la imprenta en este país, y la iniciativa de mejorar el diseño de los sellos de la Administración de Correos se debió a un grupo de diseñadores y artistas venezolanos en la que mejoró notablemente la calidad del diseño venezolano.
Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció en Caracas y fue autor de 26 sellos para la
Administración de Correos y es calificado como el padre del diseño gráfico venezolano. Y M.F. Nedo es el segundo pionero moderno del diseño venezolano quien inició su larga e intensa colaboración con Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann Erickson.
En México se establece la tipografía en 1539, fray Juan de Zumarraga es el autor del primer libro impreso en América, casi doscientos años antes de la famosa Biblia de Gutemberg de América Latina impresa en Argentina. Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente de reproducir imaginería religiosa, poco después en 1830, la litografía se ocupó también de esos menesteres añadiendo sátiras de costumbres y caricaturas
políticas en periódicos similares a los europeos. “…la obra del insigne xilógrafo José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla en la historia del diseño gráfico. Por varias razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de hacer una producción casi tan abundante y variada como lo fue la francesa…”
5
Otros artistas gráficos de gran relevancia además de José Guadalupe Posada, fueron: Trinidad
Pedroza, Orozco, Diego Rivera, Leopoldo Mendez, Julio Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros.
En Cuba se disponía de una larga tradición en diseño gráfico aplicado al consumo, probablemente la más antigua de Latinoamérica, antes de mediar el siglo XIX disponía de talleres litográficos y de una practica aceptable en el procedimiento inventado en Alemania, acercando por primera vez a un país sudamericano a uno de los paises más desarrollados de la vieja Europa.
Indudablemente la historia del diseño cubano en litografía la escribió Francisco Murtra, la de la
tipografía José Mora y la del cartelismo (y por extensión, de todo el diseño gráfico) Felix Beltrán.
En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa, los mejores cartelistas argentinos de la historia son Arnaldi y Valerian Guillard. En los años sesenta este país era la primera potencia de América Latina en la edición de libros y otros materiales de lectura como por ejemplo, los diarios. Sin embargo, la ilustración es la especialidad en la que los argentinos han tenido mayor proyección, destacándose Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo y Tomás Maldonado.
La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar de esto el establecimiento de las sucursales de las grandes agencias de publicidad americanas, que coincide con el primer gran desarrollo industrial y mercantil del Brasil, permite la introducción de las más modernas formas de producción industrial, con lo que los brasileros aprenden a diseñar anuncios publicitarios en 1940.
El origen del diseño gráfico brasilero puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio Sergio Magalhaes y Alexandre Wollner. En 1962 se inauguró en Río de Janeiro la primera Escuela Superior de diseño Industrial, la cual ha contado con profesores de altísimo nivel como Gui Bonsieppe.

14. ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO

Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico,
facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como Photoshop, Corel Draw, Phox-pro, Free Hand, Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.
Los programas como Corel Draw y Free Hand son los mejores programas gráficos de nuestra época, ya que han sabido capturar la imaginación del artista, ofreciendo desde un principio la posibilidad de hacerla realidad. Además, han solucionado con la evolución de sus programas, ciertas áreas problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos permite hacer uso de una práctica mini-previsualización de la impresión.
En Corel Draw los clásicos efectos como las Mezclas o los Contornos han encontrado su lugar en un nuevo Menú de Herramientas Interactivo. Este menú es un nuevo residente de la Caja de Herramientas y nos da acceso a todas las herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan ha usar el programa de una manera más productiva y eficiente.
En otro orden de ideas, los programas como Photoshop permiten con sus múltiples herramientas crear y diseñar a base de un material fotográfico, variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc.
Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaron con su desarrollo tecnológico un mayor control del proceso gráfico a los diseñadores, ya que en los años 90 las nuevas formas de comunicación de la era digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial.
Las páginas web son documentos electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que posibilitan la navegación virtual por las informaciones disponibles en Internet. Hasta 1993 la labor de crear páginas web estuvo reservada a los técnicos en informática que sabían manejar las etiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de Hipertexto), necesarios para la composición de los elementos de presentación visual, y por este motivo las páginas presentaban fondo gris, texto y alguna decoración.
Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada de los primeros editores HTML, la web posee ahora mucho más colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y una infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para el diseño gráfico, que permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en video, fotos, gráficos y textos en un ambiente interactivo. Dreamweaver y Front page son reconocidos programas para la realización de páginas web.

15. BIBLIOGRAFÍA

SANTUE, Enric. “El Diseño Gráfico desde sus orígenes hasta nuestros días.”
LUPTON, Ellen y ABBOTT M., J. “El ABC de la Bauhaus y la Teoría del Diseño.”

5
Santue, Enric. Pág. 398
http://www.google.com/
Enciclopedia SALVAT. Tomos 8 y 12. Salvat Editores. Barcelona. 1978.
Lluvia Velandia
TSU Diseño Gráfico Publicitario Computarizado
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logotipo, isotipo, isologo, imagotipo....

Suele suceder cuando vemos la imagen de una marca, decir “que bonito logo” o “que feo logotipo”, sin embargo desconocemos por completo acerca de las distintas concepciones que se le da a esa imagen que representa y/o caracteriza a una marca comercial o no.

Por ello, comparto con ustedes las distintas acepciones y su ejemplo:

Logotipo: Este tipo de logo se crea exclusivamente de tipografía(letras) y carece de ícono. Ejemplo:




Isotipo: Este tipo de logo carece de tipografía y se crea únicamente con un ícono o imagen. Ejemplo:




Isologo: Es la combinación de un Logotipo con un Isotipo, es decir, tiene tanto tipografía como ícono.; el texto y la imagen se encuentran fundidos. EJemplo:




Imagotipo: Es similar al Isologo, solo que el texto y la imagen se encuentran separados, normalmente el texto se pone abajo, arriba o a un lado. Ejemplo:

Tarea para el miercoles 20!

imprimir este texto y recopilar cinco ejemplos de cada uno

llevar los ejemplos impresos tamaño media carta

El Gallinero, diseño y publicidad en México

Desde el próximo 12 de mayo y durante tres días tendrá lugar en Colima, México la segunda edición del evento de diseño gráfico conocido como “El Gallinero” que reúne a los principales exponentes de diseño y publicidad del país.

El programa del evento incluye conferencias que abarcarán diferentes temas (”La memoria gráfica retenida”, “El diseño gráfico en Colima” y “Una historia de fotografía”) y talleres sobre tipografía y fotografía digital (Tipografiando” y “Composición fotográfica y técnicas digitales”).

Algunos de los expertos que expondrán son:

Arq. Felipe Covarrubias (Director del ITESO)
Gabriel Martinez Meave (Despacho de diseño kimera)
Lic. Antonio Sereno (Fotografo de a! Diseño)
Arq. Benito Cabañas “elveno” (Director de abracadabra)
LDG. Iván W.Jimenez (Revista ene o)
Lic. Daniela Bueno Silva (Publicista y mercadologa)

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